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Les chefs-d&#39;oeuvre du Louvre sont des survivants ! 

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La Vie cach&eacute;e des oeuvres : pendant de longs si&egrave;cles, ils ont r&eacute;ussi &agrave; &eacute;chapper aux pillages, aux incendies, aux vers &agrave; bois, aux d&eacute;gradations des pigments, aux changements de go&ucirc;t, aux repeints, aux restaurations brutales, aux mutilations &agrave; la scie, aux attentats, au vieillissement, &agrave; l&#39;oubli. Certains ont v&eacute;cu dans la clandestinit&eacute;, sous de fausses identit&eacute;s, d&#39;autres, que l&#39;on croyait perdus, r&eacute;apparaissent subitement, des si&egrave;cles plus tard.

A l&#39; initiative du mus&eacute;e du Louvre, les plus grands sp&eacute;cialistes mondiaux de Rembrandt, Leonard de Vinci, Watteau, Rapha&euml;l et Poussin se sont r&eacute;unis pour red&eacute;couvrir et &eacute;tudier les oeuvres de ces ma&icirc;tres, d&eacute;croch&eacute;es des murs et d&eacute;cadr&eacute;es. Une situation exceptionnelle, m&ecirc;me pour ces experts. Une enqu&ecirc;te collective o&ugrave; chacun va tenter d&#39;&eacute;lucider l&#39;&eacute;nigme de l&#39;oeuvre. Une rencontre unique entre les hommes et les oeuvres.

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&Eacute;pisode 1 : Poussin

&Eacute;pisode 2 : Rapha&euml;l

&Eacute;pisode 3 : Watteau

&Eacute;pisode 4 : Goya

&Eacute;pisode 5 : Rembrandt

&Eacute;pisode 6 : L&eacute;onard de Vinci

La Vie cachée des oeuvres

De la photographie en passant par le graf, le design, l&#39;architecture, le stylisme et la peinture, c&#39;est l&#39;art en mouvement, la cr&eacute;ation en instantan&eacute; dont le t&eacute;l&eacute;spectateur est t&eacute;moin. Ce sont aussi des parcours entre Rome, Paris, Madrid, Rotterdam, o&ugrave; les artistes travaillent et s&#39;inspirent.

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Quelques jours, quelques heures dans la vie d&#39;un artiste (chez lui, dans son atelier, au cours de ses voyages), au cours desquels il ouvre son espace cr&eacute;atif et personnel au r&eacute;alisateur. La cam&eacute;ra&nbsp; privil&eacute;gie le mouvement, capte l&#39;artiste &agrave; l&#39;ouvrage et dans ses moments de r&eacute;flexion.

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&Eacute;pisode 1 : Adel Abidin

&Eacute;pisode 2 : Kader Attia

&Eacute;pisode 3 : Eric Baudelaire

&Eacute;pisode 4 : Mohammed Bourouissa

&Eacute;pisode 5 : Raphael Dallaporta&nbsp;

&Eacute;pisode 6 : Denis Darzacq

&Eacute;pisode 7 : Egill Saebjornsson&nbsp;

&Eacute;pisode 8 : Gary Webb

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L'Art et la manière

Une enqu&ecirc;te captivante sur les traces du chef-d&rsquo;&oelig;uvre Judith d&eacute;capitant Holopherne, d&eacute;couvert &agrave; Toulouse et attribu&eacute; au Caravage.

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En 2014, un tableau retrouv&eacute; dans un grenier pr&egrave;s de Toulouse provoque une onde de choc dans le monde de l&rsquo;art. Apr&egrave;s examen, le cabinet d&rsquo;expertise parisien d&rsquo;&Eacute;ric Turquin attribue cette Judith d&eacute;capitant Holopherne &agrave; Michelangelo Merisi, dit le Caravage (1571-1610). R&eacute;alis&eacute; en 1607, le tableau, fascinant par son r&eacute;alisme cru et son jeu de lumi&egrave;re, est estim&eacute; entre 120 millions et 150 millions d&rsquo;euros. L&rsquo;&Eacute;tat fran&ccedil;ais classe alors l&rsquo;&oelig;uvre &quot;tr&eacute;sor national&quot; et interdit sa sortie du territoire pendant trente mois, jusqu&rsquo;en novembre 2018. Mais son authentification divise les sp&eacute;cialistes internationaux. Si certains d&eacute;tails (les draperies, les mains brunies du g&eacute;n&eacute;ral assyrien&hellip;) semblent porter la marque du ma&icirc;tre du clair-obscur, d&rsquo;autres &eacute;l&eacute;ments, tel le visage parchemin&eacute; de la servante Abra, suscitent le doute. La toile aurait-elle pu &ecirc;tre ex&eacute;cut&eacute;e, partiellement ou en totalit&eacute;, par le peintre et marchand d&rsquo;art flamand Louis Finson, qui a r&eacute;alis&eacute; plusieurs copies du Caravage&nbsp;? Pour mettre un terme &agrave; la controverse, &Eacute;ric Turquin d&eacute;cide d&rsquo;organiser une vente aux ench&egrave;res spectaculaire &agrave; Toulouse. Coup de th&eacute;&acirc;tre la veille de l&rsquo;&eacute;v&eacute;nement&nbsp;: la toile est c&eacute;d&eacute;e de gr&eacute; &agrave; gr&eacute; &agrave; un acheteur &eacute;tranger, proche d&rsquo;un grand mus&eacute;e new-yorkais, pour un montant confidentiel&hellip; 
 
Fascination 
En tentant d&#39;analyser la fascination que suscite le Caravage, ce documentaire propose une immersion dans la vie tumultueuse du ma&icirc;tre italien. De Paris &agrave; Naples en passant par Londres et New York, il plonge en m&ecirc;me temps dans les arcanes du march&eacute; de l&rsquo;art, entre querelles d&rsquo;experts, strat&eacute;gies d&rsquo;acquisition des mus&eacute;es et enjeux financiers colossaux.

L'affaire Caravage

Une collection qui d&eacute;voile les mus&eacute;es m&eacute;connus et embl&eacute;matiques de la culture m&eacute;diterran&eacute;enne.

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Cette s&eacute;rie de documentaires sur les mus&eacute;es m&eacute;connus de la M&eacute;diterran&eacute;es souhaite&nbsp;mettre en relief le dialogue Nord-Sud et montrer comment les diff&eacute;rentes cultures des deux rives se sont nourries les unes des autres, dans le but de construire et de s&#39;apporter mutuellement leur savoir et savoir faire.&nbsp;

Trésors oubliés de la Méditerranée

Les Petits secrets des grands tableaux

Reconnu comme son portrait d&eacute;finitif, ce long-m&eacute;trage documentaire, plusieurs fois prim&eacute;, &eacute;claire surtout la d&eacute;marche du peintre. Des entretiens approfondis avec l&rsquo;artiste film&eacute; dans son atelier et avec sa famille et ses proches, des photos d&rsquo;Henri Cartier-Bresson et d&rsquo;Irving Penn et de nombreux documents in&eacute;dits r&eacute;v&egrave;lent la richesse et la complexit&eacute; du travail de l&rsquo;un des grands ma&icirc;tres du XXe si&egrave;cle. Tourn&eacute; en Super 16 pendant quatre saisons en Suisse, en Italie, en France et en Angleterre par le r&eacute;alisateur de Italo Calvino et Fellini, je suis un grand menteur. 
 
Grand Prix au XXIe Festival International du film d&#39;art de l&#39;Unesco

Balthus, de l'autre côté du miroir

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L&#39;histoire de l&#39;art a surtout retenu les trois noms de Malevitch, Kandinsky et Mondrian parmi les pionniers de l&#39;abstraction picturale, n&#39;accordant pas toujours le rang qu&#39;il m&eacute;rite &agrave; Frantisek Kupka (1871-1957). Originaire de Boh&ecirc;me, le peintre fut pourtant le premier &agrave; exposer comme telle, d&egrave;s 1912, une toile non figurative, ouvrant ainsi la voie &agrave; une &oelig;uvre fascinante, tout en ruptures et en intuitions fondatrices. Anarchiste virulent et dessinateur satirique pour la presse contestataire, il resta toute sa vie un franc-tireur, mais &eacute;claira de son g&eacute;nie une bonne part des avant-gardes de la premi&egrave;re moiti&eacute; du XXe si&egrave;cle. 
 
Indocile 
Nourri de paroles de sp&eacute;cialistes et d&#39;historiens de l&#39;art, ce film stimulant retrace la naissance de la r&eacute;volution abstraite au plus pr&egrave;s des toiles de Kupka. Il restitue aussi le passionnant parcours d&#39;un pr&eacute;curseur &agrave; la personnalit&eacute; indocile, qui avait choisi la marge d&#39;un monde artistique dont le rapport &agrave; l&#39;argent et la soif de reconnaissance l&#39;insupportaient. Une red&eacute;couverte essentielle d&#39;une gr&acirc;ce sans &eacute;gale.
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Kupka, pionnier de l'art abstrait

Un pr&eacute;cieux voyage dans l&#39;oeuvre d&#39;un architecte de la couleur, un peintre majeur du XX&egrave;me si&egrave;cle.

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L&#39;oeuvre de Paul Klee [1879&nbsp;- 1940] est immense&nbsp;: 9 000 pi&egrave;ces en marge de tous les courants artistiques de leur temps. 
 
Comme Kandinsky et Delaunay, Klee r&eacute;volutionne la notion classique de composition et l&#39;utilisation de la couleur.

Il interroge les formes, les lignes, les couleurs. Il se met &agrave; l&#39;&eacute;coute de la nature, des sciences de son &eacute;poque, de la musique et de la po&eacute;sie, cr&eacute;ant un langage qu&#39;il a constitu&eacute; tout en signes.

Il d&eacute;passe l&#39;opposition abstraction/figuration. Il fonde sa peinture sur le mouvement, le rythme, mais aussi sur des oppositions, des tensions, son oeuvre devient polyphonique. 
 
Les &eacute;crits de Klee fournissent &agrave; Micha&euml;l Gaumnitz la trame d&#39;un film essentiel, qui fait sienne l&#39;approche de l&#39;artiste visionnaire. Notre oeil &quot;suit les chemins qui lui ont &eacute;t&eacute; m&eacute;nag&eacute;s dans l&#39;oeuvre&quot; et parcourt les divers chapitres de la vie du peintre-po&egrave;te.
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Paul Klee, le silence de l'ange

Comment un marchand de textiles a créé à Moscou, au tournant du XXe siècle, l'une des plus riches collections d'art moderne au monde ?Pourquoi le musée de l’Ermitage possède-t-il l’une des plus riches collections d’impressionnistes, de Matisse et de Picasso&nbsp;? Et comment la Russie qui, au début du XXe siècle, restait en retrait sur la scène internationale de l’art a-t-elle donné naissance à des artistes aussi novateurs que Kandinsky ou Malevitch&nbsp;? Grâce, dira notamment ce dernier, à la collection extraordinaire constituée, année après année, de 1898 à 1914, par un marchand moscovite visionnaire, Sergueï Chtchoukine, dont le nom sera pourtant effacé, puis occulté pendant près de soixante-dix ans.&nbsp;Passionné d'art moderne, il choque la bonne société prérévolutionnaire en exposant dans son hôtel particulier ses trésors signés Manet puis Gauguin, Picasso (49 toiles au total), Matisse (38 tableaux, dont La danse, composé à sa demande). Frappé par des tragédies personnelles (la perte successive de deux de ses fils et de son épouse), puis chassé par la révolution, celui qui fut l'un des mécènes majeurs de son temps disparaît en 1936, dans l'anonymat, à Paris – là même où son nom était célébré, du temps de sa splendeur, dans les milieux d'avant-garde. Tatiana Rakhmanova ("Trafic d'art", "Le grand marchandage") déroule le destin romanesque de cette grande figure oubliée de l'art, avec les bribes qu'ont patiemment retrouvées, une à une, les conservateurs russes et français&nbsp;: photos et correspondances, fragments de journal intime, registres des marchands d'art, récits de ses contemporains. Un portrait émouvant, peuplé de chefs-d'œuvre et de fantômes.

Sergueï Chtchoukine, le roman d'un collectionneur

Jeune prodige de 20 ans, adoub&eacute; par Giono et Cocteau, Bernard Buffet fut le peintre vedette de l&rsquo;apr&egrave;s-guerre, celui dont le trait noir a marqu&eacute; la sensibilit&eacute; et le regard de la France des Trente Glorieuses.

Aujourd&rsquo;hui encore l&rsquo;essentiel de sa production monumentale (environ 8000 toiles) reste largement m&eacute;connue et il aura fallu plus de 60 ans pour red&eacute;couvrir en France l&rsquo;ensemble de son &oelig;uvre gr&acirc;ce &agrave; l&rsquo;exposition que lui consacre le Mus&eacute;e d&rsquo;Art moderne de la Ville de Paris &agrave; l&rsquo;automne.Le succ&egrave;s populaire de Bernard Buffet, sa fortune ostentatoire et son rejet de l&rsquo;art abstrait le rendirent suspect au regard de la critique qui le cantonna aux clowns tristes et aux bouquets de chardons qu&rsquo;elle lui reprochait de produire en s&eacute;rie. Bernard Buffet devint un sujet de &laquo;national embarassment&raquo; pour reprendre les termes de son biographe anglais Nicholas Foulks.

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Pour tenter de d&eacute;crypter ce rejet et red&eacute;couvrir l&rsquo;homme derri&egrave;re l&rsquo;&oelig;uvre, son fils Nicolas Buffet a accept&eacute; de partager et de commenter des archives in&eacute;dites. Pour la premi&egrave;re fois, Pierre Berg&eacute; qui fut son compagnon pr&eacute;sente sa collection personnelle d&rsquo;&oelig;uvres du peintre.Pour Bernard Buffet la reconnaissance vint finalement de l&rsquo;&eacute;tranger. Au Japon, nous d&eacute;couvrons le seul mus&eacute;e qui lui soit enti&egrave;rement consacr&eacute;. Avec le street artist C215, Udo Kittelmann le directeur de la National Galerie de Berlin et Fabrice Hergott du mus&eacute;e d&rsquo;Art Moderne de la ville de Paris, une nouvelle g&eacute;n&eacute;ration reconsid&egrave;re aujourd&rsquo;hui l&rsquo;&oelig;uvre de Bernard Buffet et salue en lui un pr&eacute;curseur du Pop Art.

Bernard Buffet - Le grand dérangeur

Il n&rsquo;y a pas si longtemps, un visiteur du Metropolitan Museum of Art &agrave; New York aurait eu bien du mal &agrave; d&eacute;couvrir la peinture noire am&eacute;ricaine. Ce n&rsquo;est plus le cas d&eacute;sormais puisqu&rsquo;elle a enfin trouv&eacute; sa place aux cimaises des plus grands mus&eacute;es des &Eacute;tats-Unis. Quel regard les artistes africains-am&eacute;ricains portent-ils sur le monde par rapport &agrave; leurs confr&egrave;res blancs&nbsp;? La sp&eacute;cificit&eacute; de la peinture noire appara&icirc;t sans conteste dans sa dimension politique. Car l&rsquo;acte de naissance de l&rsquo;art africain-am&eacute;ricain r&eacute;side dans la repr&eacute;sentation de l&rsquo;&eacute;mancipation du peuple noir, tandis que sa maturit&eacute; s&rsquo;acquiert parall&egrave;lement &agrave; la lutte contre la s&eacute;gr&eacute;gation raciale et pour l&rsquo;obtention des droits civiques. &quot;Pour un artiste africain-am&eacute;ricain, cr&eacute;er est une d&eacute;claration politique&quot;, analyse ainsi le peintre Whitfield Lovell.

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La question raciale

Aujourd&rsquo;hui, Jean-Michel Basquiat (1960-1988) n&rsquo;est plus le seul artiste africain-am&eacute;ricain &agrave; &ecirc;tre entr&eacute; de son vivant dans les grandes institutions am&eacute;ricaines. Kerry James Marshall, Whitfield Lovell ou encore Ellen Gallagher sont &eacute;galement c&eacute;l&eacute;br&eacute;s, au m&ecirc;me titre que cette &eacute;toile filante qui fit longtemps figure d&rsquo;exception. &Agrave; l&rsquo;heure o&ugrave; la question raciale enflamme &agrave; nouveau les &Eacute;tats-Unis, ce film raconte &agrave; travers des archives rares et les voix d&rsquo;artistes, d&rsquo;historiens de l&rsquo;art, de collectionneurs et de galeristes la marche des artistes africains-am&eacute;ricains pour se r&eacute;approprier leur image et la faire vivre.

Noire est la couleur

Une &oelig;uvre autour de laquelle se pressent chaque ann&eacute;e des millions de visiteurs mais dont l&rsquo;histoire est encore mal connue du grand public et dont de nombreux pans restent, aujourd&rsquo;hui encore, myst&eacute;rieux aux yeux m&ecirc;mes des historiens d&rsquo;art.40 000 visiteurs chaque jour. 8 millions chaque ann&eacute;e. La Victoire de Samothrace a marqu&eacute; des g&eacute;n&eacute;rations de visiteurs, elle est une ic&ocirc;ne. Pourtant, malgr&eacute; son immense notori&eacute;t&eacute;, on ne sait quasiment rien de son histoire. Encrass&eacute;s au point de perdre toute lisibilit&eacute;, les 30 tonnes de marbre de cet exceptionnel monument ont subi pendant pr&egrave;s d&rsquo;un an un examen clinique impitoyable, men&eacute; par une &eacute;quipe de douze personnes, &agrave; l&rsquo;abri des regards. Le film suit le spectaculaire chantier de sa restauration. Une rencontre unique avec une &oelig;uvre toute enti&egrave;re source de questions. Un voyage dans l&rsquo;histoire m&eacute;connue de cette grande mutil&eacute;e, sans t&ecirc;te ni bras, vieille de plus de 2000 ans, arriv&eacute;e au Louvre en pi&egrave;ces d&eacute;tach&eacute;es, apr&egrave;s un long p&eacute;riple depuis le nord de la mer Eg&eacute;e.

La victoire de Samothrace une icône dévoilée

Attentif &agrave; tous les mouvements contemporains, de l&#39;impressionnisme au fauvisme, en passant par le cubisme et le surr&eacute;alisme, Pierre Bonnard a suivi un chemin singulier. Il affronta en solitaire les d&eacute;fis d&#39;une peinture en mutation et mena durant toute sa vie une r&eacute;flexion obstin&eacute;e sur le m&eacute;tier de peintre. Bonnard fut loin de faire l&#39;unanimit&eacute;. &quot;Ce n&rsquo;est vraiment pas un peintre moderne, il ob&eacute;it &agrave; la nature&quot;, disait de lui Picasso. Ce &agrave; quoi Matisse r&eacute;pondait avec conviction et amiti&eacute;&nbsp;: &quot;De nous tous, c&rsquo;est Bonnard le plus grand.&quot;

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Plong&eacute;e dans l&#39;univers du peintre

Comment Bonnard, cet homme secret, inquiet, au quotidien si confortablement r&eacute;gl&eacute;, est devenu cet incontestable peintre de l&rsquo;&eacute;motion, ce ma&icirc;tre de la couleur et de la lumi&egrave;re pouss&eacute;es jusqu&rsquo;&agrave; l&rsquo;incandescence&nbsp;? &Agrave; travers ses tableaux mais aussi ses carnets intimes, ses correspondances avec Matisse et Vuillard, ses clich&eacute;s photographiques, ses lieux de vie peints et sublim&eacute;s, le film nous plonge dans l&rsquo;univers de ce ma&icirc;tre de la couleur.

Bonnard - Les couleurs de l'intime

Les Aventuriers de l'art moderne

&Agrave; partir des peintures de Vel&aacute;zquez et surtout de ce qui s&rsquo;en d&eacute;gage, le film part &agrave; la d&eacute;couverte de la singularit&eacute; du&nbsp;&laquo; peintre des peintres&nbsp;&raquo; et de la r&eacute;volution artistique et esth&eacute;tique que Diego Vel&aacute;zquez a provoqu&eacute;e.

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Le film est un voyage d&rsquo;enqu&ecirc;te racont&eacute; en voix off &agrave; la premi&egrave;re personne. Le narrateur est un jeune homme d&rsquo;une vingtaine d&rsquo;ann&eacute;es, Marco, &eacute;tudiant en cin&eacute;ma. Sa voix et ses impressions sur le travail de Vel&aacute;zquez servent de fil conducteur, permettant de ne pas axer le film sur un parcours trop lin&eacute;aire &agrave; travers l&rsquo;&oelig;uvre du ma&icirc;tre espagnol du XVII&egrave;me si&egrave;cle.Diego V&eacute;lasquez (1599&nbsp;- 1660) na&icirc;t et grandit dans une petite maison au centre de S&eacute;ville, en Andalousie. Il fr&eacute;quente les bodegas, observe la vie populaire, qui devient le sujet de ses premiers tableaux connus&nbsp;; des sc&egrave;nes de genre influenc&eacute;es par le r&eacute;alisme d&#39; El Viejo et du Caravage.

La palette de V&eacute;lasquez alors est sombre. Introduit &agrave; la cour de Madrid par le Comte Duc d&#39;Olivares, le tout-puissant ministre de Philippe IV, V&eacute;lasquez est nomm&eacute; peintre du roi d&egrave;s 1623. Il devient portraitiste de la famille royale et l&#39;unique peintre salari&eacute; &agrave; cette &eacute;poque. Entre Philippe IV, jeune souverain &eacute;pris de peinture, et V&eacute;lasquez, s&#39;&eacute;tablit une relation de confiance qui, pendant pr&egrave;s de quarante ans, donne lieu &agrave; l&#39;un des plus fastueux exemples de m&eacute;c&eacute;nat royal.

Diego Velazquez - Le réalisme sauvage

Katsushika Hokusai (1760 – 1849) est sans doute l’artiste japonais le plus célèbre dans le monde. C’est une monographie d’une ampleur tout à fait inédite que propose le Grand Palais. Les six périodes de la vie de l’artiste sont traversées, illustrées par des séries d’estampes, des livres, mais aussi de nombreuses peintures pour partie inédites, ainsi que de précieux dessins préparatoires. Au total plus de 500 pièces exceptionnelles sont présentées, dont une grande partie n'ont encore jamais été exposées hors du Japon.

Visite à Hokusai

Influenc&eacute; par le peintre allemand Hans Holbein, F&eacute;lix Vallotton (1865-1925) regarde les corps en clinicien, tenu par l&#39;obligation de v&eacute;rit&eacute; h&eacute;rit&eacute;e de son &eacute;ducation protestante. Graveur et illustrateur subversif, dessinateur prolifique, peintre de portraits, de nus, de sc&egrave;nes mythologiques et de paysages, le peintre suisse est multiple.

Fait rare, c&rsquo;est aussi un homme de plume &agrave; qui l&#39;on doit critiques d&#39;art, essais, pi&egrave;ces de th&eacute;&acirc;tre et romans. L&#39;homme comme l&#39;&oelig;uvre sont complexes. Pour les comprendre, Juliette Cazanave (auteure du tr&egrave;s beau portrait intimiste &quot;Sandrine Bonnaire, actrice de sa vie&quot;) convie le spectateur &agrave; un d&eacute;licat jeu de pistes, nourri d&#39;images d&#39;archives, des &oelig;uvres et des &eacute;crits de l&#39;artiste.

&Agrave; travers ses diff&eacute;rents styles de l&#39;artiste, deux indices &eacute;mergent&nbsp;: l&#39;obsession de l&#39;eau et surtout sa distance au monde&nbsp;: &quot;J&#39;aurai &eacute;t&eacute; celui qui, de derri&egrave;re une vitre, voit vivre et ne vit pas&quot;, &eacute;crit-il alors &acirc;g&eacute; de 50 ans. Une force myst&eacute;rieuse qui le tenait hors de la vie mais nourrisait aussi sa cr&eacute;ativit&eacute; d&eacute;bordante. Une cr&eacute;ativit&eacute; qui sut conqu&eacute;rir l&#39;avant-garde parisienne et le monde entier.

Felix Vallotton, la vie à distance

Par ses multiples interpr&eacute;tations par le cin&eacute;ma contemporain, l&rsquo;univers d&rsquo;Edward Hopper est familier au public. Sa figuration inclassable tisse un dialogue entre les apparences et la lumi&egrave;re, les &eacute;vidences et les &eacute;nigmes. En s&rsquo;attachant &agrave; la vie personnelle de l&rsquo;artiste dans le contexte de l&rsquo;Am&eacute;rique du XXe si&egrave;cle,&nbsp;&laquo; La Toile blanche d&rsquo;Edward Hopper&nbsp;&raquo; t&eacute;moigne de l&rsquo;ind&eacute;pendance farouche d&rsquo;un peintre, conscient des enjeux de l&rsquo;art de son temps, hostile &agrave; l&rsquo;enfermement auquel pouvait le conduire un art moderne am&eacute;ricain opposant r&eacute;alisme et abstraction. Le film donne chair &agrave; l&rsquo;artiste, transpose sa po&eacute;sie r&eacute;aliste et m&eacute;taphysique.

La toile blanche d'Edward Hopper

Artiste voyageur qui &ldquo;n&rsquo;a pas le go&ucirc;t du voyage&rdquo;, Christian Boltanski &eacute;voque ici ses vies v&eacute;ritables et possibles en d&eacute;ambulant parmi ses &oelig;uvres monumentales et ses installations r&eacute;centes. Que ce soit avec ses grands monuments &agrave; l&rsquo;enfance disparue, ses bo&icirc;tes de biscuits remplies de souvenirs d&rsquo;individus anonymes ou ses &eacute;tag&egrave;res pleines de v&ecirc;tements us&eacute;s, l&rsquo;artiste fran&ccedil;ais, n&eacute; en 1944 et c&eacute;l&eacute;br&eacute; dans le monde entier, est un metteur en sc&egrave;ne de l&rsquo;&eacute;motion. En photo ou en vid&eacute;o, en performance &eacute;ph&eacute;m&egrave;re ou en installation monumentale, son art ne traite que d&rsquo;un seul sujet&nbsp;: la r&eacute;bellion contre la disparition, l&rsquo;oubli, la mort.

Les Vies possibles de Christian Boltanski

N&eacute;e &agrave; Paris en 1911, Louise Bourgeois s&rsquo;installe &agrave; New York en 1938. Travaillant &agrave; l&rsquo;&eacute;cart de la sc&egrave;ne artistique, elle pr&eacute;sente peu d&rsquo;expositions personnelles jusqu&rsquo;&agrave; ce que ses sculptures obtiennent une reconnaissance internationale dans les ann&eacute;es 70. En 1999, elle re&ccedil;oit le Lion d&rsquo;or de la Biennale de Venise pour l&rsquo;ensemble de son &oelig;uvre. Cette &oelig;uvre, qu&rsquo;elle pr&eacute;sente parfois comme une conjuration symbolique des souvenirs de la petite enfance, appr&eacute;hende avec audace la condition f&eacute;minine et les th&egrave;mes de la famille et de la sexualit&eacute;. Ses installations et ses sculptures, en utilisant des mat&eacute;riaux et des objets tr&egrave;s divers, inventent des formes monumentales, comme les araign&eacute;es g&eacute;antes, et ouvrent une voie tr&egrave;s avant-gardiste de l&rsquo;art contemporain. Ce film, construit autour d&rsquo;un entretien r&eacute;alis&eacute; en 1993, t&eacute;moigne du parcours de Louise Bourgeois, de ses inspirations et de l&rsquo;essence de son &oelig;uvre.

Louise Bourgeois

En attendant la r&eacute;ouverture&nbsp;tant attendue des mus&eacute;es fran&ccedil;ais, (re)d&eacute;couvrez quelques unes des expositions embl&eacute;matiques de ces derni&egrave;res ann&eacute;es, telle celle consacr&eacute;e &agrave; L&eacute;onard de Vinci au Louvre en 2019 ou encore les r&eacute;trospectives Joan Mir&oacute; (2018) ou Toulouse-Lautrec (2019), pr&eacute;sent&eacute;es au Grand Palais. Mais aussi, une grande s&eacute;lection de documentaires pour voyager dans les univers singuliers d&rsquo;artistes comme Franti&scaron;ek Kupka, Edward Hopper ou encore Louise Bourgeois. Enfin, ne manquez pas la s&eacute;rie Les petits secrets des grands tableaux, qui explore les myst&egrave;res de toiles incontournables et nous raconte l&rsquo;esprit de leur &eacute;poque. 
Bonne visite !